En la película destaca también el papel de la Lolita Ángela, ( Mena Suvari), en la que Lester verá puestas todas sus esperanzas de lucha, de supervivencia… La nueva buena incorrupta que puede cambiar las cosas, y que nos ofrece una de las imágenes más bonitas de los últimos años, (¿quién no recuerda los pétalos de rosas?). American Beauty, en definitiva, arranca las cortinas de los barrios residenciales de Norteamérica, y lo hace en forma de comedia oscura, inquietante y perturbadora.

Se trata de un film divertido, triste, melancólico y la vez esperanzador. Un conjunto de buenas interpretaciones, sorprendente guión y un debut realmente destacable de Sam Mendes como director de cine.

¡Ah! Y se llevó el Oscar…

¿Qué decir de esta película? Un guión brillante, envidiable. Una fotografía original e impecable. Una dirección inteligente, que sabe jugar con las luces y planos hasta el punto de hacer de lo increible, algo sencillo. Una recreación visual casi perfecta, y un SORPRENDENTE trabajo de los actores (Jim Carrey, ¿qué te ha pasado?).

La memoria como lugar, no sólo como evasión mental al más puro estilo romanticista, sino como lugar físico por el que moverse… Esa la gran sorpresa de esta película. Es un ejemplo perfecto de ello el ver a Jim Carrey huyendo entre sus recuerdos con Kate Winslet al comprender que no quiere olvidarla. La playa nevada, el lago helado… Lugares físicos a los que acude mientras navega entre recuerdos. Proust en su obra describe un pasaje en el que comiendo una magdalena empapada en té, le sobrevienen todos los recuerdos de felicidad de su infancia. El recuerdo y el sentimiento de felicidad de la infancia son disparados por algo tan pequeño como una magdalena. Es curioso observar como cuando preparan a Joel, (Jim Carrey), para olvidar a Clementine, no le piden que les cuente su historia, le piden que retire de su vida los objetos que le recuerdan a ella

El gran «truco» de Eternal Sunshine, es que centrando la atención y usando como motivo principal el tiempo, en realidad se está dando mayor peso al espacio de la pareja. El tiempo del que hablan ambos siempre es un tiempo pasado. Y el final, es el final de cualquier historia de amor de las de verdad. Borrar a alguien de tus recuerdos es mucho peor que odiar, es eliminarlo de tu vida, de lo que eres y de la parte que forma de tí. Es como amputarte un brazo. Todas las palabras tienen un significado, cuando lo aprendes, olvidarlo es imposible.

«Benditos sean los olvidadizos, pues superan incluso sus propios errores»

Gracias Chin y Pedrito, por hacerme ver una peli de Jim «ojopipa» Carrey a pesar de los pesares, y por ayudarme a ser más sabionda.

Cada vez esta más cerca el gran día. Parece que Randall y Dante se marchan a trabajar a una tienda Mooby

Teaser

Trailer

Aquí podéis ir viendo el diario de rodaje de la película, con alguna escena curiosa como «The Good, The Bad and The Man» donde el grande de Kevin les enseña a sus amigos Tarantino y Rodríguez la película para conocer su opinión.

Por último, Kevin Smith, ha sacado un nuevo blog/diario llamado www.silentbobspeaks.com

Confío mucho en él, sé que tirará a la basura el mito sobre las segundas partes.

En el primer avión de papel, Anna y Otto escriben algo demasiado bonito para un niño. En el segundo avión, se detendrá la frase que describirá lo que envuelve el film “Estas noches te espero, mirando al sol. ¡Venga valiente, salta por la ventana!”

Y es que la suya es una historia de amor para valientes. Como todas las historias libres de tapujos y ataduras, rebosa de escalones, vuelos y golpes. Su pura atracción infantil cuando comparten la misma escuela, se convertirá en intensa pasión adolescente, que más tarde se cerrará en ese peligroso amor entendido como un todo, en pleno Círculo Polar Ártico. Es la película más hipnótica y enternecedora de mi admirado Medem. Mezcla lo siniestro y oscuro con el rojo bombeante y la piel crujiendo, demostrando así que la sensibilidad no tiene porqué caer en el insulso ñoñerío.

La magia de este film está en las casualidades, en el perfecto círculo cerrado que propone Medem. También en lo capicúa, como el nombre de los protagonistas y el apellido del propio director. Y en cómo vemos las cosas como somos, y no como son. Los diferentes puntos de vista que van narrando subjetivamente la historia, te envuelven en su atmósfera bella y fascinante. A lo largo del círculo encontraremos: Un maravilloso aunque difícil guión; Unas escenas que consiguen demostrar el arte de sentir; Una fotografía impecable y evocadora; Una actriz infinita… Una línea de puntos que hace de esta película una obra redonda y perfectamente estructurada. La historia de amor de Anna y Otto es tan real, tan a fuego lento, que parece un cuento.

No se la pierdan.

Consiguió convertir a Al Pacino y James Caan en estrellas, además se llevó el Oscar a la mejor película, al guión, y Brando en un retorno triunfal, ganó el de mejor actor. Es una de las grandes películas de la historia, admirada por todos, incluso por quienes ven en ella una fuente de sabiduría en la filosofía empresarial. Ciertamente engancha, te envuelve en su atmósfera sobre el patriarcado, la familia y la propia Norteamérica. En mi opinión es la más completa de la trilogía. La historia, la banda sonora, la fotografía, el trabajo de los actores… Y un sin fin de detalles, en los que las anécdotas forman parte del folklore del film, la convierten en mágica.

Las escenas dramáticas, viscerales e imborrables, son legendarias, y Coppola marcó buena parte de los fundamentos de rodaje de los 70. ¿Cómo olvidar el asesinato de Sony? ¿Y las mandíbulas de Corleone? ¿Quién no se ha parado a imitarle alguna vez?… “Hazle una oferta que no pueda rechazar”…

Desde luego, es la primera película con la que se atreve a dignificar un poco al “malo” de la historia, y el héroe no es ningún chico ejemplar. Me encanta, y desde su tercera y última parte, no he encontrado nada equiparable. La mezcla de cine negro y drama social convence de una realidad: La Familia siempre es mejor que no tener familia.

Fue producida por la British Broadcasting Corporation, y el programa se emitió desde 1969 a 1974. Un intento en conquistar la pantalla grande parecía el siguiente paso lógico, así que esta combinación de circunstancias llevó en 1975 a la producción de este film, escrita por el conjunto de los Monty Python.

El proceso de rodaje de la película tuvo aspectos tan anarquicamente cómicos como un típico sketch de los Monty Python. Para empezar, los dos directores no formaban parte de un dúo compatible; tenían ideas distintas sobre el estilo de la película y a Gilliams no le gustaba la tendencia de Jones a reducir la grandeza de sus decorados en apretadas disposiciones de cámara. Por otra parte, el alcoholismo de Chapman estaba en pleno apogeo y a veces dejaba a la estrella de la producción – en el papel clave del Rey Arturo- literalmente incapaz de recitar su parte mientras la cámara rodaba.

Pero los Monty Python son únicos. La compañía triunfó con la misma rapidez con que agotaron el escaso presupuesto. ¿Recuerdan a los caballeros avanzando a pie por el suelo y entrechocando unos cocos para imitar el sonido de los cascos de los caballos?. No fue tan sólo inspiración… Fue también la necesidad de llevar a los personajes de un lugar a otro con un presupuesto tan bajo que no podían permitirse caballos de verdad.

Sea como fuere, Los caballeros de la mesa cuadrada termina resultando un trabajo inmejorable. Una aguda parodia con un toque político, que consigue desde desacreditar el mito del poder de Occidente y su despotismo benévolo, a echar por la borda la masculinidad caballerosa tan arraigada. ¡Divertidísima!

Brad Pitt y Edward Norton han asegurado que es la mejor película que harán en toda su carrera, no me extraña. Frases como «Cuando la exploración del espacio profundo sea algo cotidiano, serán las multinacionales las que lo bauticen todo: La esfera estelar IBM, la galaxia Microsoft, el planeta Starbucks…hay que impedirlo»; «No sois vuestro trabajo, no sois vuestra cuenta corriente, no sois el coche que tenéis, no sois el contenido de vuestra cartera, no sois vuestros pantalones. ¡¡¡Sois la mierda cantante y danzante del mundo!!!»; «Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos. No hemos sufrido una gran guerra ni una depresión, nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida. Crecimos con la TV que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock. Pero no lo seremos. Y poco a poco lo entendemos. Lo que hace que estemos muy cabreados»…. Y muchas más que obviamente dejo por descubrir, no son fáciles de olvidar para cualquiera. Creo que es una de las películas que más veces he visto, y que no me cansaré de ver. Siempre hay detalles ocultos, pequeñas cosas que te hacen pensar. (Gracias Dixel, por tu regalo)

Basada en la novela de Chuck Palahniuk, la película de David Fincher se adentra en territorio de hombres en la fantasía cinematográfica más intrigante, furiosa e ingeniosa de los 90′. A pesar de su espectacular éxito, El club de la lucha es una experiencia visual memorable, pero que también sabe plantear como ninguna desafíos morales.

Edwuard Norton interpreta al dócil narrador que, torturado por su vida vacía de asalariado, asiste a las reuniones de apoyo de los Doce pasos para sentir algo. En una de estas reuniones conoce a Marla, y después empieza a frecuentar al «salvaje» Tyler (Brad Pitt). Tyler y Norton terminarán organizando algo más que un sencillo club clandestino de boxeo.

El film se mueve a un ritmo trepidante con una cámara sorprendente y efectos especiales. Es la clase de película emocionante e inquietantemente inspiradora que consigue que lo más extraño parezca natural. ¿Quién no ha deseado, después de ver la película, formar parte del «Proyecto Mayhem»?, ¿quién no ha deseado ser parte de ese final?.

Salí cabreada del cine, para que nos vamos a engañar. No se puede jugar, estando en las circunstancias en que nos encontramos, a querer enseñar una moralina de lo arrepentidos y cuidadosos que son los judíos, y de lo «estúpido del conflicto en pro de la paz en el mundo». A estas alturas no. No se puede pretender dar un toque pseudointelectual e insulso a una situación tan dramática que aún hoy tenemos a diario. No pretendas contar algo sin decir nada, porque no se puede.

Bien es cierto que dentro de su amplia filmografía, nunca han sido de mi agrado sus obras comprometidas con la historia, (Salvar al soldado Ryan, La lista de Schindler), por parecerme más un lucimiento personal como gran creador de imágenes, que alguien interesado en investigar en hemerotecas con el fin de redescubrirnos algún hecho desmemoriado.

Munich no se queda atrás, y a pesar de seguir siendo el mago en recrear escenarios, planos con grandes efectos, y montajes con imágenes impactantes, también sigue siendo el mago cuentacuentos defensor de la paz y la bondad, al más estilo yankee. Para eso abusa del metraje, de las escenas crueles, violentas, sanguinolentas, y en muchas ocasiones, del tratamiento humorístico de la cruel realidad.

Hábil como siempre, deja que los espectadores salgan felices del film, sin molestar a nadie. Tratando de equilibrar una balanza insalvable, dejando entrever el no saber distinguir entre buenos y malos. Señor Spielberg, definitivamente vuelva a la ciencia ficción, que es ahí donde usted no sólo no me molesta, sino que además me enamora.

Este film comienza con unos disparos aprimera hora de la mañana en una casa de campo, en medio del juego de la luz entre los árboles y la niebla, con un resultado sencillamente sublime. En la entrada de la casa nos reciben relojes antiguos que marcan inexorablemente el paso del tiempo, mientras una mujer despierta de su sueño agitado por el dolor del cáncer que la consume por dentro.

El director sueco, marca con esta película el culmen del arte del montaje. Un ritmo fluido, no forzado, el empleo revelador del sonido y del color. Unos primeros planos deliciosos, un ambiente impresionante. Es quizá el color lo que se retiene más vivídamente en la memoria de esta obra maestra otoñal.

Bergman imaginaba de color rojo el alma humana, y ciertamente sabe reflejarlo con intensidad en la historia de las cuatro protagonistas, de las que seguiremos sus miedos, frustraciones, ansiedades y reproches a través de los recuerdos. La extraordinaria actuación de las cuatro mujeres, la magia de los primeros planos, y esa escena tan terrorífica… Hacen que realmente merezca la pena echarle un vistazo.

Resulta diferente la forma en que el joven director alemán nos muestra la misión de Lola. Tykwer utiliza técnicas de animación, trucos de cámara, película en color y blanco y negro, vídeo musical, replays, y cuenta cada aventura mientras lola corre, Manni corre, y asistimos a una carrera de obstáculos humanos que los dos han de afrontar con sumo cuidado para sobrevivir.

La protagonista ofrece una imagen potente durante todo el film, corriendo por las diferentes calles, impulsándose con los brazos y su inconfundible pelo rojo al viento.

En definitiva, me parece un experimento interesante e inusual, rodado con sentido del humor, emoción intensa y tremenda energía. Todo empaquetado en una película de generación MTV.

Sesenta minutos que se pasean por la vida de Manolo, alguien que como usted o como yo sobrevivía, y parecía no encontrar nunca su sitio para vivir. Pero siempre lo esperaba, lo esperaba como aquel de la Gran Avenida, sonriendo, y peleando. Para la mayoría, Manolo es un perdido, y ¡claro que lo es!, hace tiempo que prefirió salirse de la senda marcada. Manolo era el protagonista de su historia, capaz de protagonizar sus mejores chistes y sus episodios más drámaticos.

Transmitiendo así las barreras de aire metálico que proporcionamos los demás, con nuestra participación diaria en este sistema que un día inventamos. Sin pensar, quizá, que hay pájaros a los que les gusta volar sin jaula, o que sencillamente, nunca quisieron volar.

Este fin de semana, (por fin), estrena Burton «La novia Cadaver», y aunque francamente me gustaba más el título de «La novia Muerta», ¡emocionada estoy!

Así que para continuar con el éxtasis me gustaría dedicar estas lineas, (siempre quise decir eso), al mago Tarantino y su obra Reservoir Dogs. Quentin Tarantino tenía sólo 28 años cuando escribió el guión de esta rompedora – y muy imitada- película.

Plagada de diálogos inolvidables e inmejorables interpretaciones, Reservoir Dogs cuenta la historia de las sangrientas consecuencias de un fallido atraco a una joyería. Como delincuentes tenemos: El señor Marrón (Tarantino,) el molesto señor Rosa (Buscemi), el joven señor Naranja, el mundano señor Blanco, y el fantástico y violento señor Rubio, (mi favorito). Gracias a una serie de escenas reveladoras, vamos conociendo los acontecimientos que propician el sangriento clímax en un almacén.

El excelente reparto, los excéntricos diálogos, y los guiños a la cultura pop, empezaron a ser el sello distintivo del Tarantino de los ’90. El director escoge las palabras y las acciones de un modo tan inteligente que lo sabemos todo de cada personaje, sin importar lo triviales que sean los diálogos. Excelente debut de este monstruo del cine.

Ahora no hay quien escuche igual el «Like a Virgin» de Madonna…

Ayer jueves día 13, fuimos Pixel y yo al estreno de 7 Vírgenes. Fue una noche bonita, por todo. Desde esa banda que nos amenizó la estancia y la posterior fiesta, (gracias por hacer tan buena música), hasta el propio film.

Tengo que dar mi más sincera enhorabuena a dos completos desconocidos para mi. Uno, el director Alberto Rodríguez por hacer un trabajo tan limpio y fresco. Un rodaje, sin duda dificil, donde hay secuencias para enmarcar. La cámara se mueve con maestría bailando al mismo tempo que la historia. Me fui a dormir soñando con aquellas imágenes del avión entre los edificios, las sombras de los tenderos, Ballesta saltando sobre la piscina, (ejem), aquella carrera en el supermercado… La historia no puede ser más real, más cruda y sin el empujón del sentimentalismo absurdo. Un pedazo de vida de unos chavales cualquiera, de un barrio cualquiera de alguna ciudad, convertida en algo casi perfecto.

Mi segunda enhorabuena es para el gran descubrimiento: el actor Jesús Carroza. Lo de este chico es puro talento. Llena la cámara, cada plano, con una sutileza inmensa. Lo hace desde dentro, como si lo hubiera hecho toda la vida. Y lo siento querido Ballesta, pero éste se come tu Concha y la mía si hace falta, (sin restarte mérito, claro).

En fin, que les recomiendo a gritos que vayan a verla. Si pueden, fíjense también en la banda sonora y el bonito puzzle que recrea esta película llena de piezas únicas.

Es una de las películas en las que se inspiran el nacimiento, y el día a día de este weblog. Aunque ya se había mezclado la acción real y la animación en pantalla, el director Robert Zemeckis y el director de animación Richard Williams fundieron sus territorios con una habilidad increíble en este thriller cómico que, más de una década después de su realización, sigue pareciendo tan intachable técnicamente como cuando se realizó.

Al brusco detective privado Eddie Valiant no le gustan los «dibus», los personajes de dibujos animados que viven en Diboliwood, un suburbio de Los Ángeles. Así que no se alegra en absoluto cuando el director de un estudio, Marvin Acme (Stubby Kaye) lo contrata para que controle las actividades de una de sus estrellas, una dibu sexy y exuberante llamada Jessica Rabbit.

Muy bien caracterizada, tanto por los personajes humanos como por los de dibujos animados, y con un ingenioso, original y atractivo guión, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? es una comedia de acción muy parecida a los clásicos dibujos de la Warner a los que homenajea.

Humor explosivo, deliciosamente surrealista. Recomendable tantas veces como se quiera degustar, (y esto… Es francamente difícil de conseguir).

Corrieron rumores de todo tipo sobre esta producción, que si Ford no se llevaba bien con la coprotagonista, que si ninguno estaba agusto con el agotador ritmo de trabajo impuesto por Scott… Pero ¡qué película! La visión que ofrece el director de la ciudad de Los Ángeles en el año 2019, con esa incesante lluvia ácida, ese ambiente apocalíptico y extremadamente agobiante, se ha copiado con frecuencia. Por este mundo deambula el detective Rick Deckard en busca de «réplicas» – androides amotinados que se hacen pasar por seres humanos- al tiempo que, sin darse cuenta, se enamora de una de ellas.

Repleta de simbolismo, Blade Runner ha dado pie a muchos debates a lo largo de los años. En la «versión del director» Scott omite los comentarios en off de Ford junto al final feliz que impuso el estudio, y aún nadie puede asegurar con certeza si Deckard, es en realidad una réplica más. Sea cual fuere la respuesta – el mismo director ha insinuado, como mínimo en una ocasión, la posibilidad de que Deckard sea un androide-, Blade Runner sigue siendo una de las películas de ciencia ficción con la mejor dirección artística, y visualmente más sensacional de la historia del cine.

“Yo, he visto cosas que vosotros no creeríais… atacar naves más allá de Orión… Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lagrimas en la lluvia”.
«¿Sabes lo que significa vivir con miedo?, ¿Tú no has sido nunca un esclavo?»

Pero qué grande :'(

Se me caen las lágrimas con este post. Sed de Mal es de esas obras maestras que te hacen creer un poquito más en esto del cine. Soberbia técnica, perversa por su imaginación, su audacia, su eficacia más total y absoluta. Perpleja, con los ojos como platos los 95 minutos de blanco y negro mejor disfrutados en un aula de instituto. Así la recuerdo, y no me canso de verla, y de aplaudir, y de emocionarme.

Durante décadas, los cineastas han rendido homenaje a esta imponente película de cine negro que Orson Welles rodó en los años cincuenta del siglo pasado. Es un escabroso relato sobre la corrupción que se desarrolla en los destartalados tugurios y moteles de una sórdida ciudad fronteriza, donde el honorable oficial de narcóticos mexicano Charlton Heston, (a mi parecer, en el único buen papel de toda su carrera), y el degenerado policía americano Welles, entran en conflicto por un asesinato cuya jurisdicción está en disputa, mientras Janet Leigh se convierte en un títere atemorizado.

Lo que podría ser un insignificante thriller se convierte, a manos de Welles, en arte. Sumida en un atmósfera siniestra, la película aún celebre por su plano secuencia del comienzo, tres brillantísimos minutos en los que la cámara, situada sobre una grúa, desciende en picado hacia la bulliciosa escena nocturna, mientras Mike y su rubia esposa Susan cruzan dando un paseo a Estados Unidos para tomar un helado con soda. Con un ¡boom! la luna de miel concluye ahí.

En cuestión de minutos se han repartido las cartas de un malévolo y perverso juego, en el que Dietrich es la puta más preciosa, y terminas aborreciendo al obsesivo Welles, que toma una figura de repugnante psicópata. Realmente es para amar a este hombre, ¿o no?

En definitiva, un magnífico e inigualable, (aunque mil veces imitado), comienzo de una serie de audaces y complejas puestas en escena, con elementos estilísticos teatrales exprimidos al máximo. Un casi hiperrealismo en la fotografía en blanco y negro. Una banda sonora mezcla de música latina, jazz y rock (qué arte, qué arte), que es para ponerte la piel de gallina y no parar. La caza final es un delirio de exuberancia visual, efectos y fatalidad tan soberbio que es casi chulesco.

Qué arte.

César, (el infumable, y amigo de Amenábar, Eduardo Noriega), narcisista y adinerado, deja a su última conquista de una noche, conoce a la «chica de sus sueños», (la casi siempre petarda Penélope Cruz), y traiciona a su mejor amigo. Tras un terrible accidente de tráfico, despierta en un centro psiquiátrico acusado de asesinato. Allí, en aquella extraña realidad, proyecta un presente y un futuro a partir de los restos de su vida pasada y de las películas que ha visto. La sucesión laberíntica de giros y revelaciones no llevan a ninguna conclusión hasta el final, dónde la realidad de todo lo que ha sucedido queda escalofriantemente cuestionada.

Muchos la rechazan por ser seguidores acérrimos de Tesis, para mi decir eso es como si no te pudiera gustar el cocido porque te gusta el solomillo, una chorrada. Es una película original donde las haya, con una gran banda sonora, y unos toques de magia Amenábar incuestionables.

Drácula de Bram Stoker comienza con el regreso de Vlad el Empalador ,(Gary Oldman), tras su participación en las Cruzadas para descubrir que su amada esposa, creyendo que había muerto, se ha suicidado lanzándose desde una torre. Comprensiblemente enfadado con Dios, (quién a estas alturas no lo está), Vlad reniega del Creador y se convierte en una criatura de la noche, sedienta de sangre, y marcha, hecho una furia, a la Transilvania del siglo XV dejando un rastro de sangre a su paso, (aquí se convierte en mi héroe). Adelantamos varios cientos de años y vemos a un joven abogado inglés, (Keanu Reeves), que ha sido enviado a entrevistarse con el conde Vlad Drácula en su remoto castillo del este de Europa, donde descubrirá a una criatura anciana y pálida que se intereas demasiado por el retrato de su prometida Mina (Winona Ryder). Convencido de que Mina es la reencarnación de su difunta esposa, Vlad se encamina a Londres para encontrarla, dejando a un despistado Jonhatan en manos de las hábiles y seductoras Novias.

Coppola llena la película de sorprendentes imágenes de aire operístico. Oldman recrea a la perfección al cautivador y perfecto amante Vlad, que francamente, enamora.

Y que me perdonen aquellos que opinan que Kill Bill Vol. 1 y Kill Bill Vol.2 son la misma película. Porque si bien en un principio Tarantino concibió el proyecto como una historia ininterrumpida, creo que se trata de dos películas bien distintas. Obviamente ambas son dignas de ver, pero en mi opinión gozan de grandes diferencias como para hablar de un sólo film.

Centrándonos en la primera de su gran obra épica, Tarantino silenció a quienes aventuraban que había perdido la inspiración y el toque mágico después de un paréntesis de seis años sin escribi ni dirigir. También consiguió defender su título de rey contemporáneo del cine de autor psomoderno.

Un trabajo sobre todo creativo, junto con un montaje inmejorable y una banda sonora de lo más deliciosa y ecléctica, (¿alguién había visto una pelea a vida o muerte escuchando flamenco de fondo?). Tarantino concentra buena parte de su energía como director en una serie de hiperbólicas escenas de lucha cuidadosamente coreografiadas, tomando como referencia la locura por las artes marciales de la década de los 70, los espagueti western, y los guiños a sagas como la de Star Trek.

Uma Thurman resucita su flamante carrera con el papel de «La novia». Y no sé ustedes, pero yo en esta película amo a Uma más que nunca. La Novia no sólo piensa en la venganza, La Novia es mucho más, ¡es puro amor!.

Esta película, sencillamente me mata, me emociona, me cautiva. Sus planos, sus secuencias, sus metáforas, sus imágenes, su estética, su guión, sus actores, su música. En el cine brinqué, insulté, cogí odio profundo a algún personaje, me conmoví… Y todo sin pestañear ni una sola vez.

Buf, me he sulfurao

Coprotagonizada por Morgan Freeman y Brad Pitt, sirvió para catapultar a este último a un actor de renombre, más allá de la cara bonita que resultó ser películas anteriores como Leyendas de Pasión.

Los rótulos del principio recuerdan ya formalmente varias películas estadounidenses experimentales y señalan temáticamente el inquitante parentesco entre el asesino en serie (Kevin Spacey) y la policía. También hay que recalcar el parentesco entre asesinato y arte. Los detectives tratan de resolver una serie de horrendos asesinatos basados en los siete pecados capitales. La suciedad y el deterioro de la ciudad sin nombre que los rodea, evoca un humor extraño que no se rompe ni siquiera cuando la película se traslada al campo para su climax.

Hay que reconocer que la desagradable fealdad de diseño exclusivo es un sello distintivo de nuestra época y que, quizá, esta cinta se ocupe más de revolcarse en ella que de esclarecer lo que significa políticamente. No obstante, no le quito mérito ya que consiguió estremecerme con sus imágenes hasta tal punto, que llego un momento que las notaba familiares, normales, rutinarias.

Los realizadores se mantienen fieles a su visión con tanta entrega y persistencia que surge algo indeleble; algo ética y artísticamente superior a El silencio de los corderos, que se niega a explotar el sufrimiento por diversión o entretenimiento y que nos deja dudando del mundo en que vivimos. Hay que hacer constar que, paradójicamente, al película tenía en origen un final mucho más sombrío – disponible ahora como extra en DVD-, que los públicos de las sesiones previas al estreno rechazaron… Y ¡qué pena!, a mi me parece aún más delicioso.